Искусство на Florim

Мы уверены, что наша работа не растворится в производственной динамике и должна выходить за рамки логики бизнеса, чтобы войти в сферу Корпоративной социальной ответственности (КСО) и предпринимательской этики. Именно с этим подходом мы вступили в контакт с Коллекцией Пегги Гуггенхайм, заложив основы нового стратегического сотрудничества, чтобы поддерживать и активно продвигать художественное наследие удивительной красоты.

Внимание к людям, искусству и красоте передаются также через рабочие пространства. Мы расскажем о нашем предприятии через его примечательные места. Это будет путешествие по Florim, по итальянскому «ноу-хау», которое заключает в себе ингредиенты, наделяющие формой нашу идею красоты.

Начнем с неожиданной встречи с бронзовой скульптурой — Конем, созданным Миммо Паладино. Эта работа находится у ворот компании и встречает посетителей гордым приветствием.

«Конь» Миммо Паладино

Это — внушительное произведение искусства из бронзы, созданное Миммо Паладино — известным итальянским представителем трансавангардизма. Трансавангардизм — это художественное течение, созданное во второй половине семидесятых годов, по проекту критика Акилле Бонито Олива, на фоне экономического кризиса, который охарактеризовал это десятилетие и понизил производственный и культурный оптимизм Италии. Это движение переходности, культурного бродяжничества и восстановления изобразительного искусства предложило перешагнуть через концптуально-абстрактный язык неоавангардизма путем возврата к традиционным материалам и методам письма, а также изображений экспрессионистскими мазками, а иногда и воскрешения мотивов и форм из прошлого. Трансавангардизм теоретизировал возврат к ручной работе, к радости и цветам изобразительного искусства после нескольких лет доминирования концептуального искусства.

Миммо Паладино

Доменико (Миммо) Паладино родился в г. Падули (провинция Беневенто) в 1948 году. Его дядя Сальваторе был художником и развил в нем интерес к искусству. С 64 по 68 год он учится в художественном лицее. Его статуями являются геометрические иконы, старинные маски, представляющие собой почти что алфавит знаков, возвращающихся циклическим образом. Он часто обращается к искусству этрусков и саннитов. Именно простота формы придает работе архаичность. Паладино посвящает себя скульптуре, изобразительному искусству, фотографии, а также гравюре: офорт, акватинта, линогравюра и ксилография. Затем он работает на территории и создает инсталляции для церквей, площадей и исторических зданий. Другой примечательной сферой его деятельности является театр, где он усердно работает в качестве сценографа. Он также пробует свои силы в кино (именно он в 2005 году срежиссировал фильм «Кихот», посвященный персонажу Сервантеса). Как уже было сказано, Миммо Паладино является одним из наиболее утвердившихся представителей трансавангардизма (движения, созданного критиком Акилле Бонито Олива) наряду с Сандро Киа, Энцо Кукки, Франческо Клементе, Николой Де Марией и другими, присоединившимися позже. В настоящее время работы Паладино находятся в постоянных экспозициях в основных музеях мира, среди которых — Метрополитен-музей в Нью-Йорке.

ЛЮБОВНЫЙ ПУТЬ Джузеппе Галло

«Любовный путь», расположенный с западной стороны нового завода 4.0 во Фиорано, является бронзовой скульптурой, созданной Джузеппе Галло в 2004 году. Для этой внушительной работы (6,6х3,7х1,80 м) использована бронза, которая как кожа, всегда разная и натянутая, поглощает и преобразует свет. 5 элементов, из которых состоит «Любовный путь», сменяют друг друга, вычерчивая гипотетический круг, танец 5 фигур должен повториться именно 5 раз, чтобы образовать идеальный круг. Именно поэтому скульптура подразумевается как круговая работа, движущаяся в бесконечности, которую можно прочитать справа налево или же слева направо, в таком вечном деле, как любовь. Если круг был бы закрыт внутри, получилась бы женская скульптура, снаружи — мужская.

Рука, отличающая человека от животного, — это один из любимых символов Галло. Рука как символ власти, но также рука художника, которая в этой работе показывает на одногорбого верблюда. Пальцы отображают внутренний подход, возврат к началу скульптуры, к началу пути, потому что любовь заканчивается и затем начинается снова. Круг — это большое изогнутое зеркало. Через отверстие на высоте уха присевшие возлюбленные могут слышать друг друга, но не видеть и в качестве чистой картины их любви наслаждаться шепотом разговора.

Фигура философа без рук в положении танца, остановленного еще до его начала, — это частая фигура в работах Галло. Его левая ступня выставлена вперед по отношению к правой, стоящей на земле, голова наклонена вперед, подбородок касается груди. В этой работе Галло изображает неземного философа, философа по аналогии, остановленного в положении наибольшей сосредоточенности. Треножник — это фигура, связанная с провозглашением оракула, емкость на треноге, которую ставили на огонь для нагрева воды и преподносили в дар богам. Характеристикой треножников были 3 ножки, наличие числа 3 — это изображение огня и неба. В подвешенной емкости «Любовного пути», в которой собирается вода, есть отверстие, через которое вытекает жидкость, и через которое можно смотреть на небо снизу. 14 февраля солнечный луч, проходящий через отверстие, попадает на лежащий на земле камень-меридиан, сообщающий о наступлении Дня Святого Валентина. Одногорбый верблюд является для Галло символом пустыни, по-гречески — местом, куда уходят первые христианские монахи, чтобы сопоставить себя со своими истоками и с истоками мира, опираясь лишь только о божью помощь. Пустыни как пути к аскетизму, к познанию совершенства.

Джузеппе Галло

Джузеппе Галло родился в марте 1954 года в Рольяно (провинция Козенцы) и превратил изобразительное искусство в средство ежедневной поэтики. С самого начала он занимался скульптурой с любопытством и без спешки, с натуральностью неизбежного шага, несмотря на кажущуюся случайность и непочтительность. Скульптура присутствует в творчестве Галло как будто пришедшая из глубины изобразительного искусства, чтобы логично и естественно занять свое собственное место. Для Галло под этими разнообразными формами вопрос всегда открыт. Он — философ, Философ 1986 года, или же более «меланхоличный» 2004 года, но он также и заклинатель сатиров, который своей Волшебной флейтой доминировал на венецианской Бьеннале (1990 г.).

ВРЕМЯ - НАШ ДРУГ, Оливо Барбьери

Огромные водопады, самые красивые в мире, являются основным элементом фотогалереи, созданной Оливо Барбьери для Florim, под названием «ВРЕМЯ — НАШ ДРУГ«. Это утверждение появилось на Floor Gres в 60-х годах и сегодня очень емко содержит в себе ценности компании: сила во времени, проектные возможности, способность всегда идти в ногу с требованиями современного дизайна и архитектуры. Этот проект, ставший основой рекламной кампании в печати Floor Gres (2007/2008 гг.), является настоящим кругосветным полетом на низкой высоте по красотам водопадов на всей планете. Оливо Барбьери решил создать фотогалерею, построенную на изображениях 4 водопадов, находящихся на границах стран, на разных континентах: водопады Виктория (Замбия/Зимбабве), водопады Игуасу (Аргентина/Бразилия), водопады Кхон (Лаос/Камбоджа) и Ниагарские водопады (Канада/США).

Водопады — это движущиеся поверхности, метафора жизни и материи, которая непрерывно образуется. Это — иконы узнаваемости мирового уровня, символ экологической рациональности и сознательности. В этом плане Florim близка водопадам, потому что ценности бренда подают очень позитивный посыл для природы. Ее продукция ведет диалог с природой и способна интерпретировать ее. Помимо этих изображений, во Florim имеются и другие знаменитые кадры этого художника: Шанхай Пудонг (1997 г.), Рим (1987 г.), Пиза (1992 г.), Осака (1992 г.), Шанхай (1997 г.).

Оливо Барбьери

Оливо Барбьери родился в г. Карпи (провинция Модены) в 1954 году. В начале 70-х годов он учится на педагогическом факультете и на факультете Изобразительного искусства, музыки и театра в Болонье, в эти же годы рождается его интерес к фотографии. Изначально его исследования сосредоточены на искусственном освещении центральных кварталов городов и архитектурных комплексов. Оливо Барбьери, специализирующийся на фотографии городских пейзажей, снял не один фильм и опубликовал несколько книг и каталогов на эту тему. Он известен благодаря эффекту миниатюризации пейзажа, который получается благодаря селективному наведению фокуса, предназначенному для создания помутнений, как в макрофотографии. Часто именно нерезкая деталь, легкое искажение показывают нам, что его фотография — это не калька, не воспроизведение реальности, не инертное документирование. Она позволяет нам взглянуть по-новому. Сегодня Барбьери известен на международном уровне, он получил несколько призов и выставлял свои работы на многочисленных коллективных и персональных выставках, как в Италии, так и за рубежом.

ВЫСОКОЕ РАЗРЕШЕНИЕ, Лука Панкрацци

Проект «Высокое разрешение», разработанный и реализованный под руководством Луки Панкрацци, основывается на утрате и на воссоздании изображения через разложение реальности. Две большие панели из стеклянной мозаики от Casamood превращают пространство в место «Высокого разрешения», в котором художник воспроизводит свое видение городского пейзажа, воссоздавая материалами и цветами череду картин из современной городской жизни. Виды городов, небоскребов, движения на оживленных улицах, дымоходов и подъемных кранов на фоне — таковы картины повседневной жизни, следующие маршруту осмотра зала. Смотрящий человек переносится в повседневную реальность, вовлекается в сцены из жизни, которые он видел и пережил, но с которыми он знакомится вновь благодаря деструктуризации границ и их постепенному воссозданию.

Лука Панкрацци

Лука Панкрацци родился в Фильине Валдарно (провинция Флоренции) в 1961 году. Художник посещает Академию изящных искусств во Флоренции, после чего переезжает в Милан, где с 1994 года он продолжает жить и работать. После «Where: Allegories of Site in Contemporary Art» в нью-йоркском Музее Уитни, его участия в Венецианской Бьеннале и в «Minimalia» (Венеция и Нью-Йорк), этот художник выставлялся на различных персональных выставках в Европе и Нью-Йорке. Работа Луки Панкрацци гармонизирует разные подходы к созданию искусства. Несмотря на то, что он стартует с хорошей художественной подготовкой, этот тосканский художник впитал в эти традиции как скульптуру, так и фотографию. Кроме того, его размышления о пространстве являются не только одним из любимых сюжетов его творчества, но и заметны в том методе, которым Панкрацци подгоняет свои работы под окружающий мир.

HOTEL CHIMERA (КАПСУЛЬНАЯ КОЛЛЕКЦИЯ) by Elena Salmistraro

Многообразная совокупность элементов различного происхождения и характера, чье сочетание порождает уникальное произведение из керамики площадью почти в 20 квадратных метров. Образное художественное выражение из 80 различных фрагментов, каждый из которых является самостоятельным абстрактным и пронумерованным произведением, подписанным рукой Элены Салмистраро.

Именно в этом и заключается концепция произведения миланского дизайнера, которая как с графической, так и символической точки зрения воссоздает Hotel Chimera: пространство отвлечения и бегства от реальности, место фантазий и плод пестрого смешения элементов.

Совсем как образ Химеры – которая в греческой мифологии изображалась как существо из частей разных животных – также и это произведение размером 480×400 см состоит из 80 керамических элементов 40×60 см. Каждый элемент кроет в себе легкую филигрань, которая полностью раскрывает замысел всего произведения. В Галерее Florim представлена репродукция произведения, верная оригиналу по дизайну и размерам.

Элена Салмистраро

Элена Салмистраро (род. в 1983 г. в Милане) окончила факультет промышленного дизайна Миланского политехнического университета в 2008 г.; год спустя здесь же, в Милане, она открыла собственную профессиональную студию вместе с архитектором Анджело Столи, и тех пор увлеченно работает над дизайном изделий и архитектурными проектами. Обладая хорошо узнаваемым стилем, Элена Салмистраро заинтересована в развитии исследовательской работы, которая охватывает иллюстрацию, дизайн и изобразительное искусство: таким образом она намерена систематизировать экспрессивный язык, наделенный ярко выраженной экстравертностью и стимулирующий эмоции. Ее проекты были отобраны для участия в важных мероприятиях. Среди них выделяется передвижная выставка The New Italian Design с остановками в Милане, Сан-Франциско, Сантьяго-де-Чили, Кейптауне, коллективная выставка The New Aesthetic Design на Шанхайской биеннале 2013 и Кванджуская биеннале в Южной Корее в 2015 г.

В 2016 г., по случаю XXI Миланской международной Триеннале Элена Салмистраро приняла участие в выставке W. Women in Italian Design. В 2017-2018 гг. Элена Салмистраро была удостоена звания Посла итальянского дизайна в мире.

ARCHEOLOGIE, Франко Гуэрцони

“Archeologie» появилась на свет из новой работы Франко Гуэрцони, созданной специально для CEDIT и находит свое выражение в ряде плоских керамических плит с разнообразными фонами, скоплениями и насыщенной пигментацией, порошковыми цветами и меловыми материалами, образующимися при использовании техники «отрыва фресок”. Положив в основу определение «стена как перелистываемая книга», коллекцией “Archeologie» автор переносит на большие керамические поверхности свое художественное творчество, состоящее из визуальных знаков, способных заставить вообразить «путешествие внутрь, позволяющее посетить прожитое, память, знаки, символы — все то, что с течением веков она [эта стена] собрала на себе».

Узнать Archeologie

Франко Гуэрцони

Франко Гуэрцони (Модена, 1948 г.), художник, в 70-х годах начинает персональное исследование, посвященное изучению мира археологии, уделяя особенное внимание аспектам, связанным с наслоением культур и идеей «античности» как потери и вычитания. Он посвящает себя поиску точных систем изображения, использующих также фотографические средства. В 80-х годах он занят разработкой больших настенных панно из бумаги, реализующих идею воображаемой географии, а в 1990 году представляет экспозиционный проект Decorazioni e rovine в персональном зале на Бьеннале современного искусства в Венеции. С 90-х годов и далее, он продолжает свое исследование концепции времени и поэтики руин, опираясь о теорию, подпадающую под принцип «археологии без реставрации». С 2006 года он начинает перенос рисунка на настоящую стену, подпитывая идею «настенной» живописи, которая преследует взаимосвязь с пространством, архитектурой и временем, используя пигмент в качестве средства разоблачения, открытия, проявления памяти, в качестве сильного присутствия, появляющегося из белой поверхности почти что лирически.