Quiénes somos

El arte en Florim

Estamos convencidos de que nuestro trabajo no se limita a la dinámica industrial sino que ha de ir más allá de la lógica del negocio para entrar en el ámbito de la Corporate Social Responsibility (CSR) y de la ética de empresa. Con este enfoque Florim ha entrado en contacto con la Colección Peggy Guggenheim y ha dado vida a una nueva colaboración para apoyar y promover activamente un patrimonio artístico de extraordinaria belleza.

La atención dedicada a las personas, al arte y a la belleza también se transmiten por medio de los espacios de trabajo. Describimos nuestra sede a través de sus lugares. Un viaje, el de Florim, en el saber hacer italiano que contiene y explica los ingredientes que dan forma a nuestra idea de belleza.

Empezamos por el encuentro inesperado con una escultura de bronce, Il Cavallo de Mimmo Paladino. Emplazada en la entrada de la empresa, la obra recibe a los visitantes con un bravo saludo.

 

“Il Cavallo” de Mimmo Paladino

Se trata de una imponente obra de arte de bronce realizada por Mimmo Paladino, conocido exponente italiano de la transvanguardia. La transvanguardia es un movimiento artístico nacido hacia la segunda mitad de los años setenta a partir de un proyecto del crítico Achille Bonito Oliva en un contexto de crisis económica que caracterizó esta década y que moderó el optimismo productivo y cultural de Italia. Un movimiento de transición, de nomadismo cultural y recuperación de la pintura, se ha propuesto superar el lenguaje abstracto-conceptual de las neovanguardias mediante una vuelta a materiales y técnicas pictóricas tradicionales y una figuración de rasgos expresionistas, y en algunos casos con una recuperación de motivos y formas del pasado. La transvanguardia teorizaba una vuelta a la manualidad, a la alegría y a los colores de la pintura después de varios años de dominación del arte conceptual.

 

Mimmo Paladino creó “Il Cavallo” ex profeso para que fuera colocado en nuestro territorio. En los costados del caballo, de más de cuatro metros de altura, destacan dos símbolos que testimonian este vínculo: por un lado el berbiquí, símbolo de Módena, y por el otro una cabeza humana reclinada, para indicar el valor del trabajo y la transformación de la materia que distingue nuestra tierra y refleja, obviamente, la labor de nuestra empresa. Estas afinidades, la proximidad de la obra al territorio y nuestra sensibilidad por el arte y la belleza han llevado Il Cavallo de Paladino a Florim, situado en un lugar bien visible también desde la calle para que todo el mundo pueda admirarlo.

Mimmo Paladino

Domenico Paladino (Mimmo) nace en Paduli (Benevento) en 1948. Su tío Salvatore, pintor, suscita su interés por el arte. Cursa el bachillerato artístico de Benevento de 1964 a 1968. Sus estatuas son iconos, máscaras antiguas, geometrizantes, casi un alfabeto de signos que vuelven de manera cíclica. A menudo se inspira en el arte etrusco y samnítico. La sencillez de la forma le confiere una carácter arcaico a la obra. Paladino se dedica a la escultura, a la pintura, a la fotografía, así como a la incisión: aguafuerte, aguatinta, linóleo y xilografía. Además interviene en el territorio con instalaciones para iglesias, plazas y edificios. Otro lugar privilegiado es el teatro, para el que desempeña una actividad intensa de escenógrafo. Se aventura asimismo dentro del arte cinematográfico (dirigiendo en 2005 el “Quijote”, película dedicada al personaje cervantino). Como se ha adelantado, Mimmo Paladino es uno de los representantes más consolidados de la transvanguardia (movimiento promovido por el crítico Achille Bonito Oliva) junto con Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y otros talentos que se sumaron a continuación. Las obras de Paladino hoy día se exhiben en exposiciones permanentes de algunos de los principales museos internacionales, como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

PERCORSO AMOROSO de Giuseppe Gallo 

“Percorso Amoroso”, situada en el ala oeste de la nueva fábrica 4.0 de Fiorano es una escultura de bronce realizada por Giuseppe Gallo en 2004. La majestuosa obra (6,6 × 3,7 × 1,80 m) se sirve del bronce como una piel siempre distinta y estirada que absorbe y regenera la luz. Los cinco elementos que componen el “recorrido amoroso” se suceden trazando un hipotético círculo, la danza de las cinco figuras ha de repetirse exactamente cinco veces para describir un círculo perfecto. Por ello la escultura está concebida como una obra circular que se mueve en un tiempo infinito y se puede leer tanto de derecha a izquierda como de izquierda a derecha en un relato perpetuo como el amoroso. Si el círculo se cerrara albergaría una escultura femenina en su interior y una masculina en su exterior.

La mano, que diferencia al hombre del animal es uno de los símbolos predilectos de Gallo. La mano como emblema de poder, pero también la mano del artista que, en la obra, señala al dromedario. Los dedos son un reflejo de una actitud interior, un retorno al comienzo de la escultura, al principio del recorrido, porque el amor termina y después vuelve a empezar. El círculo es un enorme espejo curvado. A través de un orificio situado a la altura de la oreja, una vez sentados, los dos amantes se pueden escuchar el uno al otro sin verse y, como pura imagen de su amor, recibir el soplo del discurso.

La figura del filósofo sin brazos en la postura de una danza atajada al nacer es una imagen recurrente en las obras de Gallo. Siempre con el pie izquierdo avanzado con respecto al derecho en el suelo, la cabeza reclinada adelante con la barbilla contra el pecho. En esta obra Gallo representa al filósofo lunar, el filósofo por excelencia, detenido en un punto de máxima concentración. El trípode es una figura ligada a la proclamación del oráculo, un recipiente colocado sobre tres patas que se colocaba sobre el fuego para calentar el agua y que se brindaba como ofrenda a los dioses. Los trípodes tenían la característica de que se apoyaban sobre tres patas; la presencia del número tres es la imagen del fuego y del cielo. En “Percorso Amoroso”, en la cavidad suspendida en la que se recoge el agua, hay un agujero por el que sale el líquido y por el que se puede observar el cielo desde abajo. Y es en este punto donde, el 14 de febrero, los rayos del astro rey, atravesando el orificio, iluminan una piedra del suelo, como en un reloj solar, indicando el día de San Valentín. El dromedario para Gallo simboliza el desierto, en griego “erimos” el lugar al que se retiran los primeros monjes cristianos (eremitas o ermitaños) para encontrarse con su propia naturaleza y con la del mundo sin otra mediación que la de Dios. El desierto como camino de autopsia, es decir, de exploración personal hacia el ascetismo, a la conquista de la perfección.

Giuseppe Gallo

Giuseppe Gallo, nacido en marzo de 1954 en Rogliano (Cosenza), ha hecho de la pintura un instrumento de poesía cotidiana. Desde sus inicios ha venido practicando la escultura con curiosidad y sin prisas, con la naturalidad del paso inevitable, si bien aparentemente casual e irreverente. La escultura es connatural a la obra de Gallo, como si surgiera de las profundidades del dibujo para después entrar como acto lógico y natural en el espacio. Para Gallo, la cuestión, bajo estas múltiples formas, siempre está abierta. Él es un filósofo, el Filósofo del 1986 o quizás aquel otro, más “melancólico”, del 2004, pero también es el encantador satírico que dominaba su Flauta mágica en la Bienal de Venecia (1990).

IL TEMPO È NOSTRO AMICO de Olivo Barbieri

Unas inmensas cascadas, las más bellas del mundo, son las protagonistas de un itinerario fotográfico realizado por Olivo Barbieri para Florim y titulado “EL TIEMPO ES NUESTRO AMIGO”. Un eslogan que nace con Floor Gres en los años sesenta y que hoy resume con eficacia los valores de la empresa: la fuerza a lo largo del tiempo, la capacidad de proyectar, de estar siempre a la altura de las necesidades del diseño y de la arquitectura contemporáneos. El proyecto, también protagonista de una campaña de prensa de Floor Gres (2007-2008), es fruto de una verdadera vuelta al mundo, en vuelo rasante, por encima de las cataratas más hermosas de nuestro planeta. Olivo Barbieri, en efecto, construye un itinerario fotográfico constituido por las imágenes de cuatro cascadas en otros tantos continentes, ubicadas en lugares fronterizos: Cataratas Victoria (Zambia-Zimbabue), Cataratas del Iguazú (Argentina-Brasil), Cataratas de Khone (Laos-Camboya) y Cataratas del Niágara (Canadá-Estados Unidos de América).

Las cascadas son superficies en movimiento, una metáfora de la vida y de la materia que se regenera constantemente. Emblemas reconocibles en el mundo entero, un mensaje de sostenibilidad y conciencia medioambiental. En este sentido Florim nos acerca a las cataratas porque los valores de la marca lanzan un mensaje extraordinariamente positivo para el medio ambiente. Sus productos dialogan con la naturaleza y la saben interpretar. Además de estas imágenes en Florim se hallan presentes otras famosas fotografías del artista: Shanghái Pudong (1997), Roma (1987), Pisa (1992), Osaka (1992), Shanghái (1997).

Olivo Barbieri

Olivo Barbieri nace en Carpi (Módena) en 1954. En los albores de la década de los setenta cursa las carreras de pedagogía y de las disciplinas de las artes, la música y el espectáculo (DAMS) de Bolonia, y en estos años nace su interés por la fotografía. Al principio su investigación se centra en la iluminación artificial en los núcleos urbanos y arquitectónicos. Olivo Barbieri, especializado en fotografía de ámbitos urbanos, ha realizado películas y ha publicado varios libros y catálogos dedicados al tema. Es conocido por el efecto de miniaturización del paisaje, logrado gracias al uso del enfoque selectivo dirigido a crear ofuscaciones semejantes a las de una fotografía macro. A menudo un detalle que aparece desenfocado, una leve desvirtuación, nos demuestra que su fotografía no es un calco, no reproduce la realidad, no la documenta de manera inerte, sino que nos ofrece una visión inédita. Barbieri hoy día es internacionalmente conocido, ha sido premiado con diversos galardones y ha exhibido sus obras en numerosas exposiciones colectivas y personales tanto en Italia como en el extranjero.

ALTA DEFINIZIONE de Luca Pancrazzi 

El proyecto “Alta Definizione” (“Alta definición”) ideado y realizado bajo la dirección de Luca Pancrazzi, se basa en la pérdida y la reconstrucción de la imagen a través de la descomposición de la realidad. Dos grandes paneles realizados con el mosaico de vidrio de Casamood transforman el espacio en un lugar de alta definición, en el que el artista recupera su idea de paisaje urbano recreando con los materiales y los colores un estado anímico a partir de secuencias de la realidad contemporánea. Imágenes de metrópolis, rascacielos, largas arterias colmadas por el tráfico, chimeneas y grúas cuyas siluetas se recortan sobre el fondo: son instantáneas de la vida cotidiana que acompañan el itinerario creado dentro de la sala. El espectador se ve proyectado en la realidad diaria, se ve involucrado en escenas que ya ha visto y ya ha vivido, pero que redescubre gracias a la desestructuración de los límites y a su progresiva reconstrucción.

 

Se crea un intercambio de percepciones entre las figuras y la racionalidad humana, una constante mutación de las referencias a lo largo de un recorrido interior que implica a los sentidos y la memoria. El hombre es transportado a una dimensión surreal que poco a poco se va modificando. Es una vuelta a los orígenes, un redescubrimiento de elementos que, convertidos en parte integrante de la vida cotidiana, habían sido transformados en campos neutros, carentes de identidad. La evolución de las formas y las percepciones es el tema central en torno al cual giran las creaciones de Luca Pancrazzi: la luz choca contra las piezas de vidrio, reflejando la naturaleza y la armonía de los tonos que van del blanco al carbón, los píxeles se intensifican, aumentan, y con ellos crece asimismo la conciencia del espectador para identificar y reconocer las realidades representadas.

Luca Pancrazzi

Luca Pancrazzi nace en Figline Valdarno (Florencia) en 1961. El artista cursa estudios en la Academia de Bellas Artes de Florencia y después, en 1994, se traslada a Milán, donde sigue residiendo y trabajando en la actualidad. Tras “Where: Allegories of Site in Contemporary Art” en el Whitney Museum de Nueva York, su participación en la Bienal de Venecia y en “Minimalia” (Venecia y Nueva York), el artista ha expuesto en varias muestras personales en Europa y en los Estados Unidos de América. La labor de Luca Pancrazzi armoniza diferentes aptitudes en la creación de arte: a pesar de arrancar de una sólida base pictórica el artista toscano incorpora a esta tradición tanto la escultura como la fotografía. Su reflexión acerca del espacio, además, no es solo uno de los temas preferidos de su representación, sino que se advierte asimismo en la manera en que con frecuencia Pancrazzi adapta sus obras al mundo que tienen a su alrededor.

ARCHEOLOGIE de Franco Guerzoni

“Archeologie” nace de una obra inédita, realizada por Franco Guerzoni ex profeso para CEDIT, y halla expresión en una serie de placas cerámicas planas caracterizadas por presentar fondos articulados, con acumulaciones y densas pigmentaciones de colores en polvo y materiales yesosos derivados de la aplicación técnica del arranque de la superficie cromática de un fresco, conocida como “strappo d’affresco”. Convencido de que “la pared es como un libro que hojear”, con Archeologie el autor traslada sobre grandes superficies cerámicas su código pictórico, articulado en signos visuales capaces de estimular “un viaje hacia el interior que permite hallar rastros de lo vivido, recuerdos, signos, símbolos, todo lo que [aquella pared] ha recogido a lo largo de los siglos”.

Descubrir Archeologie

La colección es una arqueología al revés, que no halla su definición significativa en una hipótesis narrativa retroactiva y dirigida al pasado sino más bien en un esbozo ideal de futuro, transmitido mediante una amalgama de signos que contiene y superpone varias épocas históricas. Varias imágenes se superponen proyectadas la unas sobre las otras, como diapositivas, configurando un viaje acelerado en el tiempo que acumula abrasiones y continuos despegamientos. En la densidad matérica recreada de este modo se pueden leer infinitas historias, combinadas y estratificadas en un único soporte. La obra de arte se puede poner al servicio de la decoración permitiendo la construcción de auténticos “ámbitos” pictóricos de grandes dimensiones: en las paredes revestidas de cerámica se encuentra depositada la poética del artista, una capa de color destinada a sobrevivir en el tiempo y a convertirse en memoria.

Franco Guerzoni

Franco Guerzoni (Módena, 1948), artista, emprende a principios de los años setenta una labor personal de investigación dedicada a la exploración del mundo de la arqueología, con una especial atención a aspectos ligados a la estratificación de la cultura y a la idea de “antiguo” como pérdida y sustracción. Se dedica al estudio de sistemas precisos de representación de la imagen, obtenida incluso por medio del medio fotográfico. En los años ochenta se dedica a realizar grandes papeles para pared que exploran la idea de una geografía imaginaria mientras que en 1990 presenta el proyecto expositivo Decorazioni e rovine en una sala personal en la Bienal de Arte de Venecia. De los años noventa en adelante prosigue su estudio sobre el concepto de tiempo y sobre la poética de la ruina, adoptando una posición teórica que se puede inscribir en el pensamiento de una “arqueología sin restauración”. A partir de 2006 empieza a trasladar la pintura sobre la pared misma, alimentando la idea de una pintura “mural” que busca la relación con el espacio, la arquitectura y el tiempo, usando el pigmento como agente que revela, descubre, manifiesta la memoria, como fuerte presencia que emerge de la superficie blanca de manera casi lírica.

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